Decir algo de Luc Besson puede sonar cansino o repetitivo, director de amores y odios que ha firmado películas tan interesantes como «The fifth element» (El quinto elemento, 1997) o Leon, 1994, y otras tan poco estimulantes como The messenger: The story of Joan of Arc (Juana de Arco, 1999). Irreverente e iconoclasta, Besson ha sabido moverse por unos terrenos claramente personales que le han traído buenas y malas críticas, pero, desde luego, es su camino. En Angel-A volvemos a reconocer a Besson, menos histriónico y más intimista en un cuento que bien puede ser de hadas y que tiene su mejor virtud en algo que cada vez aprecio más, la mezcla de estilos. Porque esta cinta parece un cuento y un drama, una comedia y, por veces, algo diferente. Ese blanco y negro, sin embargo, lo veo como un guiño a las comedias románticas de los cincuenta, ese blanco y negro que quedará en la memoria por Roman Holiday (Vacaciones en Roma, 1953). Ese blanco y negro porque hay cine negro y cine blanco en esta personal producción. En esta ocasión el viaje es por un París que nos cuenta otro viaje más radical e intimista, el viaje al interior de uno mismo para encontrar su verdadera salvación. En ese disparatado pero crucial camino, un excelente Jamel Debouzze se encuentra con su propio alter ego, grotesco y angelical, desmesurado y carnal, que le ayudará en ese viaje, interpretado para la pantalla por Rie Rasmussen.
Cerca de los puentes de Madison County están esparcidas las cenizas de dos seres que se conocieron durante tres días y se amaron hasta la muerte: Francesca Johnson y Robert Kincaid. El destino los unió cuando ambos habían rebasado los cuarenta. Ella, casada y con dos hijos, llevando una plácida existencia; él, un fotógrafo de vida nómada, tan libre y generoso como para respetar sin más las decisiones ajenas. Entre ellos nació un amor corto como una tarde de otoño pero tan profundo como las raíces de un árbol que hubieran cavado hondo en la tierra… Así nos lo cuenta Robert James Waller, a la vez que nos devuelve el gusto de saber que la pasión no tiene edad. La película basada en Los puentes de Madison County fue llevada al cine en 1995, bajo la dirección y protagonismo de Clint Eastwood, acompañado de Meryl Streep, Curiosamente, el mejor melodrama romántico de las últimas décadas no está protagonizado por guapos adolescentes padeciendo mal de amores banales, sino por dos maduros actores que nos regalan una historia de amor conmovedora, sorprendentemente real y de una sutileza mérito del clasicismo del mejor Eastwood-director.
Videoclip
Grandeza e intensidad emocional en esa escena final, en la que el duro Clint Eastwood llora de amor bajo la lluvia mientras la mano de Meryl Streep duda entre abrir la puerta a una nueva vida… La explicación surge en la escena siguiente.
Alguién tuvo la magnífica idea de mezclar escenas de esta película con la canción de Cat Stevens «Where Are You». La combinación resulta perfecta
Sé que pienso demasiado,
Pero no me está ayudando,
Sino que hace que todo se ponga peor
Mientras más pienso,
Mientras más sé
Más siento como me hiere
Sólo con la soledad me encuentro como con un amigo
¿Dónde estás?
¿Dónde estás?
¿Dónde estás?
Quizás ella esté sentada sola mirando hacia la tormenta.
Ella sabe que la deseo y sabe que siempre estaré…
Cómo puedo vivir sin el amor que no puedo ver.
¿Dónde estás?
¿Dónde estás?
¿Dónde estás?
Sé que hay alguien ahí,
Siento su aliento
Detrás del silencio de la oscuridad,
Pero sé que no veré nada
Hasta que abramos juntos nuestros ojos
Y ella me verá a mí
¡Y qué momento será ese!
Y ella se ve tan liviana
Podría volar con ella a través de la noche
Sé que pienso demasiado
Y que eso no ayuda mucho
sólo conduce a mostrar que nunca se siente nostalgia
Por lo que no conoces.
Pero te he amado desde el momento en que nos conocimos.
Te amo,
Yo te amo,
Pero ¿dónde estás?
Título Original: The Sandpiper / Año: 1965 / País: Estados Unidos / Productora: Metro-Goldwyn-Mayer / Duración: 116 min. / Formato: Color
Guión: Dalton Trumbo, Michael Wilson/ Fotografía: Milton R. Krasner / Música: Johnny Mandel
Intérpretes: Elizabeth Taylor, Richard Burton, Eva Marie Saint, Charles Bronson, Robert Webber
Aun con excelentes resultados de taquilla (muy probablemente por el morbo de ver de nuevo juntos, y por primera vez como matrimonio, a la pareja formada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, que había iniciado su idilio durante el rodaje de Cleopatra, Castillos en la arena (The Sandpiper) se encuentra a menudo (y sorprendentemente) citada como una de las peores películas de Vincente Minnelli, lo que no impide que cuente con un reducido aunque irreductible número de defensores, entre los cuales me encuentro.
A nivel temático, pocas películas hasta la fecha del estreno de Castillos en la arena (The Sandpiper) pueden alardear de ofrecer un discurso tan plenamente feminista como el que propone su protagonista, Laura Reynolds (Elizabeth Taylor): una madre soltera (por decisión propia) que vive junto a su hijo, alejada del mundo e inconforme con las convenciones sociales que marcan el papel que debe asumir como mujer para ser aceptada por el resto de la comunidad. Un discurso que queda espléndidamente reflejado en la secuencia en la que Laura expone sus argumentos ante un Edward Hewitt (Richard Burton) cada vez más dubitativo en sus certezas, y que Minnelli plasma de manera magistral en el plano de los dos personajes en la playa con, al fondo, una enorme formación rocosa con una apertura en el centro por la que vemos entrar el oleaje de un mar embravecido el sólido muro de creencias sobre el que se asienta la vida de Edward resquebrajado por el torrente de emociones que le provoca Laura Reynolds. Una idea que ya se avanza desde las imágenes del oleaje de mar de fondo sobre las que aparecen los créditos iniciales de la película). Y es que centrándonos en los aspectos formales, Castillos en la arena (The Sandpiper) es todo un alarde de puesta en escena, basada principalmente en cuatro elementos principales: la composición, el movimiento de los personajes, el uso de los espacios y el cromatismo.
VIDEOCLIP
Una buena película se merece una mejor banda sonora, y en el caso de The Sandpiper esta labor queda bordada con la canción “The Shadow Of Your Smile” original de Johnny Mandel y Paul Francis Webster.
Un día caminábamos por la arena
Un día, a principios de la primavera, sostenías un pájaro entre las manos para reparar su ala rota.
Ahora recordaré muchos días y muchas millas solitarias. El eco de la canción de un pájaro. La sombra de una sonrisa.
La sombra de tu sonrisa
cuando tú te hayas ido
coloreará todos mis sueños
e iluminará el amanecer.
Mira mis ojos,
mi amor, y observa
todas las cosas encantadoras que tú eres para mí.
Nuestra pequeña y melancólica estrella
Estaba tan lejos… demasiado alta.
Una lágrima besó tus labios
y yo también lo hice.
Ahora, cuando recuerde la primavera,
toda la alegría que el amor puede traer,
estaré recordando.
La sombra de tu sonrisa…
Muchas versiones se han hecho de ella, pero podríamos destacar las de ANDY WILLIAMS, TONY BENNETT, FRANK SINATRA, su hija NANCY SINATRA y ASTRUD GILBERTO (aún sabiendo que me dejo muchas y muy buenas sin mencionar).
«Wild is the wind» es una canción escrita por el compositor ucraniano de bandas sonoras Dimitri Tiomkin. La canción fue grabada originalmente por Johnny Mathis para la película homónima de 1957 dirigida por George Cukor e interpretada en sus papeles principales por Anna Magnani, Anthony Quinn, Anthony Franciosa. Lo mejor de la película es la música de Dimitri Tiomkin especialmente la canción «Wild is in the wind» que abre la película, interpretada por Johnny Mathis.
En 1959, la cantante y compositora Nina Simone graba una versión muy particular. Frente a los 2 minutos y medio de la versión original, Nina Simone se atreve a mantener la tensión hasta los 7 minutos.
En 1976, otro camaleón de la música, David Bowie, graba una versión de Wild is the wind para su álbum Station to Station. David Bowie era un admirador del estilo de Nina Simone, y después de conocerla en Los Angeles se inspiró en ella para grabar su propia versión acompañado de una guitarra eléctrica con efectos de ecualización acústica, bajo y batería.
Love me, love me, love me, love me
Say you do
Let me fly away
With you
For my love is like
The wind
And wild is the wind
Wild is the wind
Give me more
Than one caress
Satisfy this
Hungriness
Let the wind
Blow through your heart
For wild is the wind
Wild is the wind
You
Touch me
I hear the sound
Of mandolins
You
Kiss me
With your kiss
My life begins
You’re spring to me
All things
To me
Don’t you know you’re
Life itself
Like a leaf clings
To the tree
Oh my darling,
Cling to me
For we’re like creatures
Of the wind
Wild is the wind
Wild is the wind
You
Touch me
I hear the sound
Of mandolins
You
Kiss me
With your kiss
My life begins
You’re spring to me
All things
To me
Don’t you know you’re
Life itself
Like a leaf clings
To the tree
Oh my darling,
Cling to me
For we’re like creatures
In the wind
And wild is the wind
Wild is the wind
Wild is the wind
Wild is the wind
Wild is the wind
Fotografía de Ed Fox. «Celebration of the female foot»
Mediometraje de Sergej Moya con una atractiva Saralisa Volm en el que se demuestra que el sexo mostrado con naturalidad y sin remilgos, es importante como parte de la narrativa.
Una película sobre la vida, sobre la amistad, el amor y principalmente, el paso del tiempo, los recuerdos del pasado, las oportunidades perdidas, la nostalgia, el ayer.
Jennifer Connelly tenía 12 años en «Érase una vez en América» cuando interpretó el personaje de Deborah.
Link al videoclip
Otra versión «extendida» de la misma secuencia, aunque con distinta banda sonora
Ǧ This film is dedicated with love & respect to all women, mothers, wives, sisters, girls, friends,
lovers, colleagues, feminists and human beings.
We are all part of the family of humanity.
***
¶ Esta película está dedicada con amor y respeto a todas las mujeres, madres, esposas, hermanas, niñas, amigas, amantes, colegas, feministas y seres humanos.
Elena Anaya, Natasha Yarovenko. Director: Julio Medem. Mayo de 2010 (España)
Dada mi parafilia por las bañeras en el cine (ver etiquetas), me he visto obligado a rescatar esta secuencia de la película «Habitación en Roma». Lo mejor, sin duda, Natasha Yarovenko y Russian Red en la banda sonora (No dejéis de pinchar en el gif para ver la escena completa)
El director italiano Paolo Virzì sitúa su manicomio en una antigua casa nobiliaria de la preciosa Toscana. Su película se titula Locas de alegría. Y sus dos protagonistas lo están a veces, pero también están locas de desesperación, acorralamiento, soledad, pérdida, miedo. Una de ellas es un ciclón, agotadora, tragicómica, un volcán verborreico, siempre acelerada, aristócrata en la ruina aunque clasista, finalmente, asumiendo su bajón y su desamparo. La otra perdió lo que más amaba, está desolada, pero se dejará enganchar por su compañera en una huida vertiginosa hacia ninguna parte. Es muy trágico lo que cuenta Virzì, pero lo hace con gracia esperpéntica, con ternura contenida, huyendo de la sensiblería en situaciones que se prestan a ello. La esquizofrenia, la bipolaridad, la psicosis, pueden ser aterradoras, pero él se las ingenia para hacernos reír o sonreír con el disparatado viaje de sus tronadas, las visitas a sus desquiciados familiares, la necesidad de buscarse el pan dando palos jocosos. También ofrece la posibilidad de que nos asalte una lágrima furtiva en su emotivo final. Es una película bonita, vital, imaginativa, desgarrada, alegre y triste.
Carlos Boyero
Sin final arrastras nuestras vidas, sin un segundo de respiro
Para soñar, para poder recordar eso que habíamos vivido.
Sin final, eres un instante sin final. No hay ayer, no hay mañana.
Todo y ahora en tus manos. Manos grandes, manos sin final.
No me importa la luna, no me importan las estrellas,
Tú eres para mí la luna y las estrellas
Tú eres para mí el sol y el cielo
Tú eres para mí todo aquello que yo deseo tener.
Sin final eres un instante sin final. No hay ayer, no hay mañana.
Todo y ahora en tus manos, manos grandes, manos sin final.
En Guanajuato, uno de los estados más violentos en la cuestión de género, reinan el machismo, el tabú de la homosexualidad y las agresiones sexuales a las mujeres. Una combinación que se perpetúa a través de múltiples factores ―políticos, legales, sociales, religiosos, judiciales y policiales―, en medio de una corrupción también generalizada. Y Escalante, apuesta esta vez por la simbología: cada una de las extremidades de ese monstruo presuntamente alienígena no es más que un apartado de la sociedad mexicana. (Javier Ocaña)
Though it’s forbidden for my arms to hold you And though it’s forbidden, my tears must have told you That I hold you secretly each time we meet In these forbidden games that I play
Aunque esté prohibido que mis brazos te abracen…
Y aunque está prohibido, mis lágrimas deben haberte dicho
Que te abrazo en secreto cada vez que nos encontramos
En estos juegos prohibidos me encuentro.
«Mi amor te sigo esperando
¿Cuánto dura un día en la oscuridad?
¿Ó una semana?
“El fuego ya se extinguió y tengo un frío terrible
Debería arrastrarme hasta afuera, pero entonces me abrasaría el sol.
Temo que malgasto la linterna mirando las pinturas y escribiendo esto.
Es inevitable, cada vez que veo alguna de sus películas (esta vez fue «Chloe») me quedo fascinado con los ojos de esta mujer. Post relacionado: Los ojos de Amanda Seyfried
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