THE SANDPIPER

THE SANDPIPER dirigida por Vincente Minnelli

Título Original: The Sandpiper / Año: 1965 / País: Estados Unidos / Productora: Metro-Goldwyn-Mayer / Duración: 116 min. / Formato: Color
Guión: Dalton Trumbo, Michael Wilson/  Fotografía: Milton R. Krasner / Música: Johnny Mandel
Intérpretes: Elizabeth Taylor, Richard Burton, Eva Marie Saint, Charles Bronson, Robert Webber
Aun con excelentes resultados de taquilla (muy probablemente por el morbo de ver de nuevo juntos, y por primera vez como matrimonio, a la pareja formada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, que había iniciado su idilio durante el rodaje de Cleopatra, Castillos en la arena (The Sandpiper)  se encuentra a menudo (y sorprendentemente) citada como una de las peores películas de Vincente Minnelli, lo que no impide que cuente con un reducido aunque irreductible número de defensores, entre los cuales me encuentro.

A nivel temático, pocas películas hasta la fecha del estreno de Castillos en la arena (The Sandpiper) pueden alardear de ofrecer un discurso tan plenamente feminista como el que propone su protagonista, Laura Reynolds (Elizabeth Taylor): una madre soltera (por decisión propia) que vive junto a su hijo, alejada del mundo e inconforme con las convenciones sociales que marcan el papel que debe asumir como mujer para ser aceptada por el resto de la comunidad. Un discurso que queda espléndidamente reflejado en la secuencia en la que Laura expone sus argumentos ante un Edward Hewitt (Richard Burton) cada vez más dubitativo en sus certezas, y que Minnelli plasma de manera magistral en el plano de los dos personajes en la playa con, al fondo, una enorme formación rocosa con una apertura en el centro por la que vemos entrar el oleaje de un mar embravecido el sólido muro de creencias sobre el que se asienta la vida de Edward resquebrajado por el torrente de emociones que le provoca Laura Reynolds. Una idea que ya se avanza desde las imágenes del oleaje de mar de fondo sobre las que aparecen los créditos iniciales de la película). Y es que centrándonos en los aspectos formales, Castillos en la arena (The Sandpiper) es todo un alarde de puesta en escena, basada principalmente en cuatro elementos principales: la composición, el movimiento de los personajes, el uso de los espacios y el cromatismo.

VIDEOCLIP

Una buena película se merece una mejor banda sonora, y en el caso de The Sandpiper esta labor queda bordada con la canción “The Shadow Of Your Smile” original de Johnny Mandel y Paul Francis Webster.

Un día caminábamos por la arena

Un día, a principios de la primavera, sostenías un pájaro entre las manos para reparar su ala rota.

Ahora recordaré muchos días y muchas millas solitarias. El eco de la canción de un pájaro. La sombra de una sonrisa.

La sombra de tu sonrisa

cuando tú te hayas ido

coloreará todos mis sueños

e iluminará el amanecer.

Mira mis ojos,

mi amor, y observa

todas las cosas encantadoras que tú eres para mí.

Nuestra pequeña y melancólica estrella

Estaba tan lejos… demasiado alta.

Una lágrima besó tus labios

y yo también lo hice.

Ahora, cuando recuerde la primavera,

toda la alegría que el amor puede traer,

estaré recordando.

La sombra de tu sonrisa…

 

Muchas versiones se han hecho de ella, pero podríamos destacar las de ANDY WILLIAMS, TONY BENNETT, FRANK SINATRA, su hija NANCY SINATRA y ASTRUD GILBERTO (aún sabiendo que me dejo muchas y muy buenas sin mencionar).

FREYJA by NORD WIND

Freyja o Freya (en nórdico antiguo la Señora) es una diosa de la mitología nórdica y germánica, de la cual se preservaron numerosos relatos que la involucran o la describen. En las Eddas, Freyja es descrita como la diosa del amor, la belleza y la fertilidad. La gente la invocaba para obtener felicidad en el amor, asistir en los partos​ y para tener buenas estaciones. Pero Freyja también era asociada con la guerra, la muerte, la magia, la profecía y la riqueza. Las Eddas mencionan que recibía a la mitad de los muertos en combate en su palacio llamado Fólkvangr, mientras que Odín recibía la otra mitad en el Valhalla. El origen del seidr y su enseñanza a los Æsir se le atribuía a ella.

Todas las imágenes © de NORD WIND

Marilyn Monroe by BERT STERN «The last sitting»

Bert Stern, (Brooklyn, 3 de octubre de 1929 – Manhattan, 26 de junio de 2013)) fué la última persona que retrató a Marilyn Monroe, recuerda el impacto profesional y emocional que tuvo la sesión de su vida. Todo un festín erótico que no gustó a ‘Vogue’ en su día, hace ahora 50 años. «Olvidé que estaba casado. Estaba enamorado», confiesa. «Era mucho más guapa de lo que esperaba».

Parecía un buen principio. Era jueves, 21 de junio. En Los Ángeles hacía calor, pero ella había querido esa ciudad y él cruzó el país para encontrarla en el hotel Bel Air, suite 261. Él reservó allí sin saber que era uno de sus hoteles favoritos. De Nueva York llevó vestidos, pañuelos, collares. Y encargó tres botellas de Dom Pérignon. La esperaron cinco horas, él y su champán. Y Marilyn apareció, sonriente, esbelta, casi transparente, «hermosa, trágica y compleja», que diría él. Todo había empezado bien. No acabaría igual.

Porque Marilyn Monroe cumplió su tarea, y Bert Stern la suya. Aquel junio de 1962, la actriz posó para el fotógrafo con y sin ropa, rubia y morena, pensativa y a carcajadas. Pero nunca vio esas imágenes publicadas: el 5 de agosto aparecía muerta en su cama junto a un bote vacío de barbitúricos. «Entonces supe que mi historia de amor con Marilyn había acabado», explica Stern medio siglo después al recordar el adiós de su musa, de la que apenas mes y medio antes había tomado las 2.571 imágenes que cambiarían su carrera.

Aquellas fotos fueron bautizadas The last sitting (La última sesión). Ahora él desmenuza las impresiones acerca de la -por qué no- mayor estrella del cine en un libro editado por Taschen con muchas de esas imágenes del que solo hay 1.962 copias, a 750 euros cada una, con notas del dos veces Pulitzer y biógrafo de la actriz Norman Mailer. Stern da cuenta de ello en conversación telefónica desde Nueva York. «Es mi sesión más popular», repite incansable. «No sé si la mejor, pero la más popular. Soy el fotógrafo que hizo las últimas fotos de Marilyn Monroe».

Para Stern, por cuya cámara habían pasado Twiggy o Audrey Hepburn, la diva era un reto. Recién contratado por Vogue, volando a Roma para retratar a Elizabeth Taylor en Cleopatra, Monroe se cruza por su mente. Y consigue una cita. «Tenía una llamada de mi secretaria. ‘Marilyn dice sí, Vogue dice sí. Los Ángeles. 21 de junio’. Hice las maletas».

Eran las primeras fotografías de Monroe para la revista. «Necesitaba descubrir algo no capturado», cuenta Stern en el libro. Richard Avedon le había hecho unas lujosas fotos para la revista Life, «estupendas para el mundillo, pero no íntimas. No daban ninguna sensación de quién era ella». Dispuso todo: intimidad, luz, complementos. Sin saber de cuánto tiempo dispondría ni el humor de la diva. Ella, al fin, apareció. «Olvidé que estaba casado, olvidé mi vida en Nueva York. Estaba enamorado. Era mucho más guapa y más fácil de trabajar de lo que esperaba».

El sol se ponía sobre California. Él preparó sus cámaras («una Hasselblad en blanco y negro y una Nikon de 35 milímetros. Aún deben estar por mi apartamento») y preguntó con cautela de cuánto tiempo disponían. «¿Estás de broma?», replicó ella. «¡De todo el que queramos!». «Ya es mía», pensó Stern. Fotográficamente hablando.

Él le enseñó los complementos. «¿Quieres fotografiarme desnuda, verdad?». «Es una buena idea», dijo él, dudando si Monroe aceptaría. «No estarás exactamente desnuda, tienes un pañuelo». «¿Cuánto podrás ver?», inquirió ella. Depende de la luz, afirmó él. Norma Jean solo pidió una última opinión: a su peluquero, al que le pareció «una idea divina». Y descorcharon el Dom Pérignon.

Todo dependió de la luz. Una Norma Jean de 36 años, delgada pero curvilínea y sensual, se transparentaba bajo un pañuelo. «Estaba llena de ideas», asegura Stern. Las luces realzaban su piel transparente y su pelo de plata, las primeras arrugas bajo los ojos y los surcos de su boca. Y una marca en el costado, recuerdo fresco de una operación de vesícula. «Vi la cicatriz. Una imperfección que solo la hacía parecer más vulnerable y acentuaba la suavidad de su piel. Era de color champán, de color alabastro…Podías meter un dedo en su piel, como probar un merengue recién hecho».

Pero Stern no probó nada. «No discutimos de nada. Solo tomamos fotos, fue todo lo que hicimos», rememora por teléfono. Y descarta conspiraciones que aseguran que con la actriz había personal de seguridad e incluso algún miembro del clan Kennedy. «Estábamos nosotros, su peluquero y el hombre que le maquilló los ojos. Prefirió no llevar más maquillaje, solo se puso crema en la cara y el eye-liner. De su propio maquillaje». De fondo, All I have to do is dream, de The Everly Brothers. «Música de aquella época».

Hasta que amaneció. Monroe quedó contenta a medias con el trabajo. Ella misma tachó algunas de las pruebas de revelado que no la mostraban en la perfección deseada. Hay páginas con 24 negativos de los que se salvan apenas cuatro. A Vogue tampoco le convenció. ¿Y los vestidos y el glamour? Stern guardó sus inservibles contactos.

Modelo y fotógrafo se reencontraron con más ropa y una estilista para supervisar todo. Un vestido negro de Dior resaltaba la palidez de la estrella, que quiso jugar como la primera vez: peluca negra, camisa blanca, collar de perlas. Un abrigo de pieles que solo roza su cuerpo. Una cama medio deshecha. El mismo escaso maquillaje. Disparo a disparo, recuento final: 2.571 fotos.

«Su belleza estaba en su espíritu», explica él, con voz serena. «No creo que pudiera hacer una sesión así actualmente. La recreamos con Lindsay Lohan para New York Magazine, pero estaba copiando mis propias fotos. No hay nadie a quien desee fotografiar hoy. Las otras estrellas no son nada comparadas con Marilyn Monroe».

Cinco semanas más tarde, el mundo despedía a la chica de las tres botellas de champán. Ese 5 de agosto, Monroe llamó a Stern. «Nunca cogí esa llamada. Me lo contó alguien años después. Habría hecho todo lo que hubiera podido para ayudarla. Nunca imaginé ese final, jamás. Pensé que era feliz con su vida y su carrera», narra con abrumadora seriedad. Otras cinco semanas después salía Vogue, con 10 páginas sobre Marilyn, sus primeras en la revista y su despedida, apenas una muestra de esa intimidad. El resto aguardó 20 años en un cajón hasta que, en 1982, la revista Eros publicó las imágenes de esa Marilyn definitiva. Dieron la vuelta al mundo. La última sesión, la que comenzó con un encuentro entre dos desconocidos con cinco horas de retraso, un pañuelo transparente y una cicatriz se convirtió en la más sincera. Marilyn necesitaba sus 2.571 grandes despedidas.

MARÍA PORCEL ESTEPA

 

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BART RAMAKERS

A DIVINE COMEDY _ Annunciation

BART RAMAKERS, Bélgica (1963). Fotografías de escenas pintorescas que reflexionan sobre la “condición humana”. Mezcla fragmentos de mitos y leyendas, evangelios y cuentos de hadas, óperas y clásicos del cine en nuevas historias, en busca de lo que (todavía) tiene sentido, como un moderno Diógenes fotografiando los escombros del Occidente. Anacrónicamente alegre y arquetípico, porque la condición humana es eterna e inmutable. Bart creció a orillas del río Mosa, a la sombra de los hermanos Van Eyck. Desde pequeño dibujó, grabó y pintó, inspirado en los maestros flamencos, en historias históricas, música barroca y romántica y ópera. Sus cuadros fotográficos suelen descender de los mitos, leyendas e historias clásicas. Cuentan (desde una perspectiva contemporánea) mitos de belleza y poder, pasión y traición, sensualidad y brutalidad, vida y muerte, a menudo con un toque ligeramente irónico, sarcástico o humorístico. Las relaciones hombre / mujer a menudo se invierten, y la moral cristiana del sufrimiento y la redención se reemplaza por disfrutar de un amor optimista y generoso. El sufrimiento no salvará al mundo, pero el amor, según su versión de La última cena (Agnus Dei, 2014). Referencias a la historia del arte, el cine y la literatura son abundantes en su obra.

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LOVING STRANGERS…

Elena Anaya, Natasha Yarovenko. Director: Julio Medem. Mayo de 2010 (España)

Dada mi parafilia por las bañeras en el cine (ver etiquetas), me he visto obligado a rescatar esta secuencia de la película «Habitación en Roma». Lo mejor, sin duda, Natasha Yarovenko y Russian Red en la banda sonora (No dejéis de pinchar en el gif para ver la escena completa)

All The Movies Are Connected by Ignacio Montalvo

Desde 1903 hasta 2017, una comparativa de la gran similitud entre algunos de los planos más míticos del cine.

Lista de films (en orden de aparición):

• -Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back (1980, Irvin Kershner)
• -2001: A Space Odyssey (1968, Stanley Kubrick)
• -Apocalypse Now (1978, Francis Ford Coppola)
• -Kong: Skull Island (2017, Jordan Vogt-Roberts)
• -Star Wars: Episode VII – The Force Awakens (2015, J.J. Abrams)
• -Band of Outsiders (1964, Jean-Luc Godard)
• -The Dreamers (2003, Bernardo Bertolucci)
• -Blade Runner (1982, Ridley Scott)
• -Fight Club (1999, David Fincher)
• -Boogie Nights (1997, Paul Thomas Anderson)
• -Goodfellas (1990, Martin Scorsese)
• -Dreams (1990, Akira Kurosawa)
• -The Florida Project (2017, Sean Baker)
• -Citizen Kane (1941, Orson Welles)
• -The Man Who Wasn’t There (2001, Joel Coen & Ethan Coen)
• -City On Fire (1987, Ringo Lam)
• -Reservoir Dogs (1992, Quentin Tarantino)
• -The Social Network (2010, David Fincher)
• -A Beautiful Mind (2001, Ron Howard)
• -Call Me By Your Name (2017, Luca Guadagnino)
• -Lady Bird (2017, Greta Gerwig)
• -Pulp Fiction (1994, Quentin Tarantino)
• -Fellini, 8½ (1963, Federico Fellini)
• -Enemy (2013, Denis Villeneuve)
• -Arrival (2016, Denis Villeneuve)
  -Enter The Void (2009, Gaspar Noé)
• -Birdman (2014, Alejandro G. Iñárritu)
• -Full Metal Jacket (1987, Stanley Kubrick)
• -Whiplash (2014, Damien Chazelle)
• -A Clockwork Orange (1971, Stanley Kubrick)
• -Fight Club (1999, David Fincher)
• -Goodfellas (1990, Martin Scorsese)
• -Drive (2011, Nicholas Winding Refn)
• -Close Encounters of the Third Kind (1977, Steven Spielberg)
• -The Mirror (1975, Andréi Tarkovski)
• -The Great Train Robbery (1903, Edwin S. Porter)
• -Goodfellas (1990, Martin Scorsese)
• -The Truman Show (1998, Peter Weir)
• -Persona (1966, Ingmar Bergman)
• -Platoon (1986, Oliver Stone)
• -Raiders of the Lost Ark (1981, Steven Spielberg)
• -La La Land (2016, Damien Chazelle)
• -Casablanca (1942, Michael Curtiz)
• -Phantom Thread (2017, Paul Thomas Anderson)
• -A Clockwork Orange (1971, Stanley Kubrick)
• -Wings (1927, William A. Wellman)
• -Star Wars: Episode VIII – The Last Jedi (2017, Rian Johnson)
• -Manhattan (1979, Woody Allen)
• -500 Days of Summer (2009, Marc Webb)
• -La La Land (2016, Damien Chazelle)
• -Metrópolis (1927, Fritz Lang)
• -Batman Returns (1992, Tim Burton)
• -The Fifth Element (1997, Luc Besson)
• -Lawrence of Arabia (1962, David Lean)
• -Star Wars: Episode IV – A New Hope (1977, George Lucas)
• -Up (2009, Pete Docter, Bob Peterson)
• -The Wizard of Oz (1939, Victor Fleming)
• -The Sacrifice (1986, Andréi Tarkovski)
• -Blade Runner 2049 (2017, Denis Villeneuve)
• -Vertigo (1958, Alfred Hitchcock)
• -La La Land (2016, Damien Chazelle)
• -Road to Perdition (2002, Sam Mendes)
• -Moonlight (2016, Barry Jenkins)
• -The Shining (1980, Stanley Kubrick)
• -Toy Story (1995, John Lasseter)
• -The Hidden Fortress (1958, Akira Kurosawa)
• -Star Wars: Episode IV – A New Hope (1977, George Lucas)
• -The Searchers (1956, John Ford)
• -Inglorious Basterds (2009, Quentin Tarantino)
• -Lost In Translation (2003, Sofia Coppola)
• -Closer (2004, Mike Nichols)
• -A Clockwork Orange (1971, Stanley Kubrick)
• -Psycho (1960, Alfred Hitchcock)
• -The Killing (1956, Stanley Kubrick)
• -The Dark Knight (2008, Christopher Nolan)
• -Vanilla Sky (2001, Cameron Crowe)
• -I Am Legend (2007, Francis Lawrence)
• -Macbeth (2015, Justin Kurzel)
• -Blade Runner 2049 (2017, Denis Villeneuve)
• -Lost In Translation (2003, Sofia Coppola)
• -Her (2013, Spike Jonze)
• -La La Land (2016, Damien Chazelle)
• -The Red Balloon (1956, Albert Lamorisse)
• -Interstellar (2014, Christopher Nolan)
• -2001: A Space Odyssey (1968, Stanley Kubrick)
• ————————————————————
• Music: «Ruby» – The Hit House

 

 

EXTREMAUNCIÓN

«In articulo mortis»solicitaría como sacramento un portafolio de Pavel Kiselev, y sonando en mis oidos alguna melodía de Corde Oblique «Atheistic Woman» -vaya contradicción, pensaréis- álbum  Volonta D’Arte (2007)

Este artista ruso de origen búlgaro con un portofolio impresionante ya ha pasado por este cuaderno un par de veces: Aquí y aquí, y seguirá pasando pues una vez al año y en artículo mortis, es de obligada revisión.

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MÓNICA BELLUCCI

La galería que el paso del tiempo no podrá destruir

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Laisse moi guider tes pas dans l’existance,

Laisse moi la chance de me faire aimer,

Viens comme une enfant au creux de mon épaule,

Laisse moi le rôle,

De te faire oublier:

Le temps qui va,

Le temps qui sommeille,

Le temps sans joie,

Le temps des merveilles,

Le temps d’un jour,

Temps d’une seconde,

Le temps qui court,

Ou celui qui gronde,

Le temps,

Le temps,

Le temps et rien d’autre,

Le tien le mien,

Celui qu’on veut notre,

Le temps,

Le temps,

Le temps et rien d’autre,

Le tien le mien,

Celui qu’on veut notre.

Le temps passé,

Celui qui va naître,

Le temps d’aimer,

Et de disparaître,

Le temps des pleurs,

Le temps de la chance,

Le temps qui meurt,

Le temps des vacances.

Le temps glorieux,

Le temps d’avant guerre,

Le temps des jeux,

Le temps des affaires,

Le temps joyeux,

Le temps des mensonges,

Le temps frileux,

Et le temps des songes.

Le temps des crue,

Le temps des folies,

Le temps perdu,

Le temps de la vie,

Le temps qui vient,

Jamais ne s’arrête,

Et, je sais bien,

Que la vie est faite,

Du temps des une et du temps des autres,

Le tien le mien,

Peut devenir notre,

Le temps des uns et le temps des autres,

Le tien le mien,

Peut devenir notre,

Le temps,

Le temps des uns et le temps des autres,

Le tien le mien,

Peut devenir notre,

Le temps des uns et le temps des autre,

Le tien le mien,

Peut devenir notre,

Le temps,

Le temps,

Le temps,

Le temps.

Fragmento de la película «Flash back (El apartamento)» que me trae recuerdos de la vida en París en  los años ’80, historias de amores cruzados, compartidos, «l’amour fou» y la obsesión por el reencuentro con el pasado que dejó huella en nuestra alma. Oportunidad para deleitarse con una joven (32 años) y hermosa Mónica Bellucci de la que se enamoró -quién no?- Vincent Cassel

KALLE GUSTAFSSON & BRIGITTE BARDOT (Historias de amor y playa)

El fotógrafo y director sueco Kalle Gustafsson es un experto en capturar momentos cinematográficos llenos de atmósfera. Representado por Skarp Agent, Gustafsson tiene una impresionante lista de clientes que incluye a gente como Paul Smith, Gant y Orient Express, además de clientes editoriales como GQ y Marie Claire. Para sus clientes, Gustafsson filma impresión y movimiento.

Gustafsson ha estado utilizando un estilo retro antes de que se pusiera de moda, y creemos que su fotografía está a la par de la de cualquiera de sus aclamados contemporáneos. El trabajo inteligente de Gustafsson destaca por su fluidez casual y su estilo y gracia naturales. La combinación de referencias visuales y las propias habilidades de Gustafsson hacen que sus modelos parezcan relajadas y hermosas de una manera totalmente natural.

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Fotografías de KALLE GUSTAFSSON, fondo musical: BRIGITTE BARDOT, «La Madrague»

Canciones del final del verano, marcadas por la melancolía de septiembre.  A esa categoría pertenece La Madrague, que interpretó Brigitte Bardot: “el tren me llevará hacia el otoño/ a reencontrarme con la ciudad bajo la lluvia.” La Madrague, ya saben, era el chalet de Brigitte cerca de Saint-Tropez, escenario -queríamos creer- de babilónicas fiestas que animaba Manitas de Plata.  En 1963, La Madrague se transformó en canción gracias a  Jean-Max Rivière y Gérard Bourgeois y la Bardot, nueva Reina Midas, supo convertirlo en éxito. Pero ¡basta de disculpas  de musicólogo! Resulta evidente que todo lo anterior es una mera excusa para compartir este falso clip, que muestra el esplendor de la criatura más bella de los años sesenta. (Por Diego Manrique)

Post relacionado: Storia d’Amore

ÁNGELES

LOVE SIMPLY IS – NFS Photography by Guido Argentini

Vivo encadenado a tu piel,

soy el lado oscuro que cada hombre quiere esconder

soy lo que nadie deja ver

las calles son mi escuela donde enseño a perder.

(«El Ángel Caído» Mago de Oz)

GUIDO ARGENTINI was born in Florence, Italy. He studied Medicine for three years at the university of Florence. At 23 he decided to turn his passion for photography into a profession and started to shoot fashion and beauty. Since1990 he lives in the USA, in Los Angeles . His work has been published by some of the leading magazines in the world. In 2003, Guido Argentini’s first book, SILVEREYE, presented an exquisite series of studio and landscape nudes. That work was a reflection of the artist’s great personal passion for sculpture and dance. In his second book, PRIVATE ROOMS, 2005, Guido Argentini offers an entirely different type of personal journey, one where eroticism and beauty are clearly inseparable. Within these pages, we are invited to take a glimpse into a unique «˜feminine universe’. This second book is the result of ten years of photographs, all taken in the intimacy of closed rooms, ancient villas, modern apartments, many hotels, from the most elegant five-star locations enriched with luxurious velvets and four-posted beds to the most squalid insignificant hourly-rate motels furnished with cheap plastic chairs and worn-out wallpaper. A universe where all these rooms become the theaters of the artist’s self-directed voyeuristic fantasies. «REFLECTIONS» was published in 2007, a vast collection of photographs of women looking at themselves in mirrors: a sort of unconscious research about the woman who studies herself, falls in love, and gets lost in her own image. «SHADES OF A WOMAN» was published in 2010. The book is divided in 6 chapters, two in Black and white and four in color. The photographs were taken indoor and outdoor all over the world, in Italy, USA, Thailand, Cuba, and many other countries; in the desert of California, in abandoned houses in palaces and hotels. Guido Argentini’s work has been exhibited worldwide: 2010 Young Gallery, Knokke, Belgium 2010 Young Gallery, Brussels, Belgium 2010 Galerie Sho Contemporary Art, Tokyo, Japan 2009 Brucie collections, Kiev, Ukraine 2009 Photo Art Research, Florence, Italy 2007 Galerie Sho Contemporary Art, Tokyo, Japan 2006 Galerie Reygers, Munich, Germany 2006 James Gallery, Moscow, Russia 2006 Camera Work, Berlin, Germany 1998 Todd Kaplan Gallery, Los Angeles, CA 1996 Todd Kaplan Gallery, Santa Monica,

 

VIDEOCLIP

Llamando a todos los ángeles

Te necesito cerca del suelo

Te extraño terriblemente

¿Me puedes escuchar desde tu nube?

Toda mi vida he esperado alquien a quien amar

Toda mi vida he esperado algo para amar

Llamando a todos los ángeles

Te necesito cerca del suelo

Me he arrodillado

Y he rezado para escuchar un sonido

Toda mi vida he esperado alguien a quien amar

Toda mi vida he esperado algo para amar

Día tras día

A través de los años

Seguí mi camino…

«CALLING ALL ANGELS» Lenny Kravitz

MARILYN MONROE INSIDE/OUTSIDE

Rx Tórax de Marilyn Monroe tomada en 1954 (Florida). Tenía entonces 28 años Fuente: http://www.elpais.com/articulo/gente/tv/torax/Marilyn/Monroe/dentro/elpepugen/20100628elpepuage_4/Tes El resto no necesita explicación

 

MUJERES SERPIENTE

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La mujer que aparece encantada en forma de serpiente no es una mujer cualquiera. En el discurso de los mitos hay una amplia serie de adjetivaciones en torno a ella que contribuyen a hacerla destacar por su hermosura sin igual, a hacerla sobresalir por encima de las demás mujeres. Para lograr esto los mitos introducen toda una serie de epítetos muy ilustrativos que sirven para describir a la protagonista del mito. Por lo tanto nos encontramos con un tipo de mujer enfatizada físicamente y que, como tal, ejerce una especial seducción sobre todos los que la contemplan, y que al punto quedan prendados de ella. Mujer cuya hermosura no admite parangón, la serpiente ejerce de este modo un poder seductor que cala profundamente (…)

Es en el desencantamiento donde más claramente aparecen expresados los rasgos sexuales de la serpiente, en el que más claramente se constata su comportamiento como mujer-seductora. Ello se hace evidente apenas tengamos en cuenta que una de las formas que el rito de desencantamiento toma en el mito consiste en abrazar y besar la serpiente. Las ilusiones sexuales de esta acción aparecen inmediatamente denotadas en ella (…)

La mujer-serpiente encarna la seducción y ejerce un inevitable poder de incitación sobre los hombres.

J.C.Bermejo Barrera

“Mitología y mitos de la Hispania prerromana”

VIDEOCLIP

Música de Silvio Rodriguez «Sueño Con Serpientes»

Álbum «Te Doy Una Canción» (1975)

 Post relacionado: «From Dusk Till Dawn»

 

SIRENAS

Fotografía de Adam Chilson

Stephanie Seymour

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Existen métodos insuficientes, casi pueriles, que también pueden servir para la salvación. He aquí la prueba:

Para protegerse del canto de las sirenas, Ulises tapó sus oídos con cera y se hizo encadenar al mástil de la nave. Aunque todo el mundo sabía que este recurso era ineficaz, muchos navegantes podían haber hecho lo mismo, excepto aquellos que eran atraídos por las sirenas ya desde lejos. El canto de las sirenas lo traspasaba todo, la pasión de los seducidos habría hecho saltar prisiones más fuertes que mástiles y cadenas. Ulises no pensó en eso, si bien quizá alguna vez, algo había llegado a sus oídos. Se confió por completo en aquel puñado de cera y en el manojo de cadenas. Contento con sus pequeñas estratagemas, navegó en pos de las sirenas con alegría inocente.

Sin embargo, las sirenas poseen un arma mucho más terrible que el canto: su silencio. No sucedió en realidad, pero es probable que alguien se hubiera salvado alguna vez de sus cantos, aunque nunca de su silencio. Ningún sentimiento terreno puede equipararse a la vanidad de haberlas vencido mediante las propias fuerzas.

En efecto, las terribles seductoras no cantaron cuando pasó Ulises; tal vez porque creyeron que a aquel enemigo sólo podía herirlo el silencio, tal vez porque el espectáculo de felicidad en el rostro de Ulises, quien sólo pensaba en ceras y cadenas, les hizo olvidar toda canción.

Ulises (para expresarlo de alguna manera) no oyó el silencio. Estaba convencido de que ellas cantaban y que sólo él estaba a salvo. Fugazmente, vio primero las curvas de sus cuellos, la respiración profunda, los ojos llenos de lágrimas, los labios entreabiertos. Creía que todo era parte de la melodía que fluía sorda en torno de él. El espectáculo comenzó a desvanecerse pronto; las sirenas se esfumaron de su horizonte personal, y precisamente cuando se hallaba más próximo, ya no supo más acerca de ellas.

Y ellas, más hermosas que nunca, se estiraban, se contoneaban. Desplegaban sus húmedas cabelleras al viento, abrían sus garras acariciando la roca. Ya no pretendían seducir, tan sólo querían atrapar por un momento más el fulgor de los grandes ojos de Ulises.

Si las sirenas hubieran tenido conciencia, habrían desaparecido aquel día. Pero ellas permanecieron y Ulises escapó.

La tradición añade un comentario a la historia. Se dice que Ulises era tan astuto, tan ladino, que incluso los dioses del destino eran incapaces de penetrar en su fuero interno. Por más que esto sea inconcebible para la mente humana, tal vez Ulises supo del silencio de las sirenas y tan sólo representó tamaña farsa para ellas y para los dioses, en cierta manera a modo de escudo. 

El silencio de las sirenas

Franz Kafka

Pirates of the caribbean Mermaid Scene

Interesante documental visto en Discovery Max al respecto: «Mermaids the body found»

 

VERANO DEL 42

”Nunca volví a verla, ni supe qué fue de ella. Entonces éramos diferentes. Los chicos eran diferentes. Tratábamos de entender lo que sentíamos. La vida está llena de pequeñas victorias y derrotas. Para todo lo que tomamos con nosotros, debemos dejar algo atrás. En el verano del ´42 atacamos cuatro veces a la Guardia Costera, vimos cinco películas, llovió nueve días. Benjie rompió su reloj. Osky dejó la armónica y de una manera especial, yo perdí a Hermie para siempre”.
Con este monólogo relatado “en off “ con Hermie (un joven Gary Grimes de 1.971) caminando en las dunas de arena de la costa mientras un sol rojo como un disco de fuego se funde en el mar, termina una de las mejores películas que he visto: Verano del 42 (Summer of ´42).

La película (y la novela) corresponden a memorias escritas por Herman Raucher; las mismas relatan los eventos que vivió durante un verano que pasó en la Isla Nantucket en 1942 cuando tenía 14 años de edad.Originalmente, la película se pensó como un homenaje a su amigo Oscar «Oscy» Seltzer, un médico del ejército que murió en la guerra de Corea. Seltzer murió de un disparo en una batalla en Corea mientras atendía a un hombre herido en combate; esto sucedió el día del cumpleaños de Raucher, y por ese motivo desde entonces Raucher no ha celebrado su cumpleaños. Mientras escribía el guión, Raucher se dio cuenta que a pesar de que había crecido junto con Oscy y que habían sido compinches durante su adolescencia, ellos dos nunca habían tenido una conversación sobre temas trascendentes o llegado a conocerse en un plano más personal.

Raucher decidió concentrase en la primera experiencia importante de su vida como adulto, o sea la primera vez que se enamoró. La mujer (llamada Dorothy, al igual que el personaje de la película) estaba de vacaciones en la isla, Raucher la había conocido un día en que le ayudó a acarrear las provisiones; Raucher desarrolló una amistad con ella y su esposo y le brindó su ayuda luego de que su esposo fuera alistado para pelear en la segunda guerra mundial. Raucher mantuvo relaciones con ella una noche en que la había ido a visitar, y que coincide con el día en que ella es informada por el gobierno norteamericano que su esposo ha fallecido.

A la mañana siguiente, Raucher descubre que ella se ha ido de la isla, dejándole una carta (la que se lee al final de la película, y se encuentra transcrita en el libro). Raucher nunca volvió a ver a Dorothy; su último «encuentro» con ella, que fue relatado en un episodio de The Mike Douglas Show, tuvo lugar luego del estreno de la película en 1971, cuando recibió una carta de ella junto con otra docena de cartas de distintas mujeres que afirmaban ser «su» Dorothy. Raucher reconoció la caligrafía de la Dorothy «auténtica», y ella confirmó su identidad al relatar algunos detalles que solo ella podía conocer. Ella le contó a Raucher que había vivido durante muchos años con el sentimiento de culpa de que pudiera haberlo traumatizado y arruinado su vida. Dorothy le indicó a Raucher que se alegraba de que él estuviera bien, y que era mejor para ambos no revivir el pasado. Decir que Hermie buscó en Dorothy las respuestas a los impulsos de su juventud o que Dorothy buscó en el adolescente el amor perdido de su marido muerto en la guerra, es hablar sólo de la parte más insignificante de esta obra de arte del cine, que es mucho más que eso. Es pasión, es sentimiento, complicidad, incomprensión, entendimiento e incertidumbre. Genuina pureza desplegada en las imágenes de ese Hermie adolescente despertando a la vida adulta de la mano de una mujer que, ante el dolor, sólo atina a entregar su cuerpo y transmitir y su amor para no sucumbir ante la tragedia. Verano del ´42 es la vida triunfando sobre la muerte. Es el amor prevaleciendo. Es la caricia en imágenes, sentimiento hecho música y poesía transformada en diálogo. Es, también, la realidad de esa última carta que Dorothy le deja a un niño que ya no lo és, y a un hombre que promete serlo:

 

“Querido Hermie: Ahora debo volver a casa. Sé que entenderás que tengo mucho que hacer. No intentaré explicarte lo de anoche porque sé que con el tiempo lo recordarás de una forma adecuada. Lo que haré será recordarte y ruego para que no sufras. Tan sólo te deseo cosas buenas. Hasta siempre, Dorothy”.

La grandeza de la secuencia final de la película se justifica con el comienzo y el epílogo de la misma. Son las deudas que muchos contraímos la primera vez que escuchamos y sentimos la banda sonora de Michel Legrand, especialmente en la secuencia final, con el tema principal de la misma, The Summer Knows, cuando el tono de comedia y espíritu alegre, se torna en drama, y el deseo y el consuelo se unen en un instante donde sobran las palabras, transmitiendo todo lo que el espectador necesita ver: un secreto que quedará grabado para siempre en la memoria del joven ‘Hermie’.

De la mano de un artesano como Robert Mulligan, esta secuencia mágica cobra otra dimensión, de la que muchos directores querrían ser capaces de rodar sin dudar y sin caer en el sentimentalismo. En 1971, Robert Mulligan consiguió el reconocimiento de la taquilla y encumbró a una actriz a un papel inolvidable. Aquel verano del 42 lo vivimos muchos cinéfilos años después. El despertar del sueño americano empezaba a salir a la luz, y un director nos dio “el paquete” en un fino envoltorio, hasta el punto de que sus imágenes, junto a los acordes de la música de Michael Legrand, convierten el visionado de una película en algo especial, pese a los años transcurridos, más cercano al sentimiento que a la razón.
(Edición de Juan Vaca)

Oscar:
Mejor banda sonora original para pelicula dramática: Michel Legrand
Nominaciones:
Mejor fotografia: Robert Surtees
Mejor montaje: Folmar Blangsted
Mejor guion original: Herman Rauche

Tomaros un tiempo y no dejéis de escuchar -una vez más- la BSO completa del film:

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MALENA / BELLUCCI

Malena es una bella mujer que paraliza, literalmente, las calles de su pueblo al son de su contundente movimiento de caderas. Su divina belleza embelesa a todos los hombres, pero muy en especial a Renato, un niño que vivirá su primer amor a través de las curvas de esta mujer. Malena es criticada como si estuviera vendiendo su cuerpo por el mero hecho de ser bello y pasearlo por el pueblo. Es la eterna cuestión de aquellos que por ser superiores o simplemente diferentes en algún sentido, son marginados. Es la hipocresía de una sociedad que trata de machacar a quienes responden a lo que les gustaría ser, para regodearse en su mal y no darse cuenta de que la porquería que llevan dentro no les va a dejar ser felices en toda su puta vida.  

Malena, empezó a tomar forma en la mente de Giuseppe Tornatore poco después de que finalizara Cinema Paradiso (1.988). Encontró la evocativa historia de Malena y Renato en un relato corto escrito por el veterano guionista Luciano Vincenzoni, que había escrito la historia de Malena a partir de sus propios recuerdos de una mujer que alteró totalmente su pequeño pueblo italiano durante la Segunda Guerra Mundial.